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REVISTA DE MUSEOLOGÍA KÓOT, 2018 AÑO 8, n.º 9, ISSN 2078-0664, ISSNE 2378-0664
Castaneda López, Camila María. Objetos Ordinarios. Su estado actual en museos de arte.
Diseño, exposiciones, práctica curatorial y abordaje. Págs. 9-24.
Objetos Ordinarios.
Su estado actual en museos de arte.
Diseño, exposiciones práctica curatorial
y abordaje
Camila María Castaneda López
Licda. Diseño Gráco & Comunicación Visual,
University of Leeds, UK
cm.castaneda@outlook.com
Resumen
Este artículo discute las prácticas curatoriales que se utilizan para la exposición
de “objetos ordinarios”, es decir, todos aquellos artefactos que utilizan las
personas en el diario vivir, los cuales constituyen ahora muestras museográcas.
Los museos de arte, empiezan a recolectar objetos de la actualidad relevantes en
una variedad de contextos, ya sea; sociales, políticos o económicos.
Este artículo presenta ideas sobre la experiencia que involucra este tipo de
exhibiciones, basadas en un visita realizada por la autora al museo Victoria and
Albert, en Londres, que en la actualidad desarolla una colección de objetos diseñados.
Palabras clave: Museos de arte, Arte – Exposiciones, Diseño – Exposiciones,
Conservación y restauración de objetos de arte.
Abstract
This article discusses curatorial practices used in the exhibition of “ordinary
objects”, referring to all those artefacts that are used by people in their everyday
lives, which now constitute museographic samples. Art museums, are beginning
to collect contemporary objects relevant to a variety of contexts, susch as, social,
political or economocial.
This article presents ideas about the experience involved in this type of exhibitions,
based on a visit made by the author to the Victoria and Albert Museum in London,
which nowadays is developing a collection of ordinary objects.
Keywords: Art Museums, Art Exhibitions, Design Exhibitions, Conservation
and restoration of art objects.
DOI: http://dx.doi.org/10.5377/koot.v0i9.5902
URI: http://hdl.handle.net/11298/432
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El museo y su público
Es realmente difícil analizar una institución tal como la de un museo. Esto es
debido a que cuestionar una institución que involucra tanta destreza en campos
como la sociología, la historia y la antropología, hace que uno se de cuenta
sobre el hecho de que son pocas personas las que tienen suciente información
referente al quehacer de los museos. En este sentido, considero un privilegio
el hecho de que una sociedad tenga personas dedicadas a la conservación de
objetos de nuestro tiempo, especialmente por que trabajan teniendo en mente la
importancia que estos tienen para la sociedad.
Generaciones han pasado y el mundo va cambiando, las sociedades no son
estáticas. Al nal, todo es temporal y ni siquiera los mismos museos se libran
del cambio. Algo como ‘La Gran Exhibición’
1
de 1861 en Londres, Inglaterra
fue nuevo y emocionante en esa epoca. El exhibir objetos para compartir su
descubrimiento y análisis con un público fue increiblemente innovador. Esto
llevó a muchos a preguntarse acerca del acto de exponer algo ante un público,
lo cual resulto en nuevas maneras de organización y metodologías.
1
“La Gran Exhibición”, es reconocida en la historia por ser un evento en el cual las personas
de todas partes de Europa se reunían en Inglaterra para presenciar una colección de objetos
nuevos y extraños traídos por exploradores, conocedores y viajeros, que estaban reunidos en
un solo lugar. Era como una feria.
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Naturalmente, han habido cambios muy importantes desde entonces. Uno de
ellos es que el centro de atención no es solo el objeto en exposición, si no
también el público, al cual se le da mucho más reconocimiento que antes.
Hoy en día el público es uno de los aspectos más importantes para los museos
contemporáneos. El modelo del museo contemporáneo ahora es democrático. Ya
no existe el régimen de dictadura o anarquía dirigida por los conocedores
2
con
sus ‘Vernissages’
3
y sus ‘Salon de Refusés’
4
, podemos dejar toda la complejidad
de terminología francesa atrás, y le damos la bienvenida a lemas como ‘for the
people, by the people’
5
. Los museos hoy en día están incrustados en la sociedad
y en el centro de la actividad humana. Las prácticas curatoriales hacen todo tipo
de conexiones; desde la academia a situaciones contemporáneas e históricas.
Son pocas las instituciones que pueden competir con la perspectiva holística
del museo. Por esta razón los museos son una de las fuentes más grandes de
conocimiento, y ahora los encontrarán con las puertas abiertas a todo público,
quizás la educación gratuita es una posibilidad al nal. Como dice el dicho
popular “el que busca encuentra”, pues un museo es un buen lugar donde
encontrar conocimiento.
La curaduría en nuestro “tiempo contemporáneo” se vuelve cada vez más
popular en diferentes campos, tanto en las ciencias, la tecnología, la historia así
como en el arte y el diseño. Una de las maneras que los museos han adoptado
para conservar “el día de hoy” es haciendo colecciones de objetos ordinarios.
Es decir que, se puede dar la ocasión que uno va a ver la misma lámpara de su
actual mesa de noche exhibida en el museo. Aunque esta situación no suene
muy llamativa, hay que verlo desde el punto de vista crítico y con curiosidad;
¿por qué ese objeto se produjo en el contexto actual?, ¿cual fue la motivación
de su producción?. Un análisis le puede dar una nueva función al objeto. Si se
utiliza el ejemplo de la lámpara; su función ya no será únicamente alumbrar un
salón, si no que también se convierte en una muestra invaluable que captura en
sí mucha información acerca del “momento social actual”.
En el pasado la mayoría de las exposiciones y colecciones eran exclusivas para
los “congoscenti”
6
, personas que tenían una educación muy completa, para
estudiar el mundo y tenían los recursos y oportunidad de hacerlo. Sin embargo,
ahora es diferente, lo que fue una audiencia discriminada ahora es inclusiva y
los números incrementan. Aun así, no queda sucientemente claro quien está al
mando, ¿Será verdad que los líderes de estas instituciones están sirviendo a su
comunidad?, o ¿será que eso es solo lo que ellos quieren que la gente piense?
2 Los ‘conocedores’ o ‘apreciadores’ son personas de cierto nivel académico, con un recono-
cimiento por su capacidad de apreciar, examinar o evaluar algo dentro de su especialidad.
3 ‘Vernissages’ es un termino que proviene del siglo diecinueve como visitas privadas exclusi-
vas de exposiciones antes de su inauguración ocial.
4 ‘Salon de Refusés’ eran salones separados del resto de una exhibición donde los conocedores
exhibían todas las obras de arte que consideraban de poco talento artístico.
5 Moto utilizado popularmente en campañas socialistas para expresar empatía entre una socie-
dad y sus instituciones.
6 Los “entendidos” personas ampliamente conocedoras de cultura.
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¿será que todo es una fachada? ¿será que los cognoscenti siguen escondidos
detrás de los muros de los museos? Cuando se comparan las cualidades de
los cognoscenti con el perl de las personas que trabajan en los museos, se
encuentran muchas similitudes. Por ejemplo, su extenso conocimiento y
formación académica, su experiencia en observación y preservación de objetos,
su pasión y su interés en crear colecciones que explican conexiones dentro de
un especíco marco teórico. Su capacidad de estar consciente y ser expuesto a
tanta información mientras asimilan y sintetizan. Estas son las características
de un verdadero conocedor y sin duda son cualidades importantes que los
curadores deben de tener ahora en día. Al n de cuentas son cualidades difíciles
de obtener y por lo tanto merecen respeto y admiración.
Desde otro punto de vista la diferencia entre como las colecciones se forman,
se tratan y se exhiben, son la razones por la cual los museos han evolucionado
tanto. El objetivo de las instituciones da la dirección para que sus empleados se
comprometan en compartir todos los descubrimientos relevantes de información
con su público. Esa información es conocimiento para su propio benecio, para
su educación y concientización. En síntesis, es por su propio desarrollo. Por
ende, en base al hecho que el publico esta escuchando lo que el museo trata de
explicar, se esta cumpliendo el objetivo de enseñarle a una comunidad. Pero
aun así tenemos que hacer muchas preguntas de cómo toda esta actividad se
esta llevando a cabo. ¿Cómo están los museos enseñando?, ¿Que material están
exponiendo a la gente?, ¿Por qué este material ha sido elegido especícamente
y cual será el resultado de entregar este conocimiento?, ¿Están los propósitos
basados en razón, emoción o lógica?, ¿Es el material ético?.
Museo Victoria & Albert
Para profundizar en el tema de este artículo los argumentos se basaran en una
visita que se hizo al Museo Victoria and Albert (V&A) en South Kensignton,
Londres. Los objetos seleccionados fueron tomados de dos diferentes
exposiciones ‘Design since 1945’ (Diseño desde 1945) y ‘Rapid Response
Collecting’ (Coleccionando con Reacción Rápida). Ambas exposiciones son
acerca de objetos ordinarios pero la ‘Rapid Response Collecting’ expone
objetos con relación a sucesos y eventos que acaban de surgir en un marco
social y político mundialmente, y algunas cosas que gente común tiene en sus
casas. Ver estos objetos en la exposición demuestra lo rápido que una colección
de objetos puede crecer debido a la cantidad de sucesos que toman lugar en
todas partes del mundo cada día.
El V&A es un ejemplo perfecto de cómo los museos han cambiado de
metodologías y perspectivas que no centralizaban al visitante. Sí la misión
es completada exitosamente, personas con diferentes cualidades (ej. culturas,
países y religiones, incapacidades, edad o educación) no van a inuenciar su
visita al museo. Podrán obtener mucho más conocimiento, y disfrutarán del
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ambiente, en sus condiciones, sin duda igual que cualquier otra persona. Todo
este esfuerzo se llevara a cabo para poder hacer una diferencia en términos
de educación y sensibilidad en su sociedad. Es un proceso lento pero se esta
llevando a cabo en muchas instituciones del país no solo en museos.
La creación de colecciones de objetos en el V&A según su estrategia de acceso,
inclusión y diversidad involucra diferentes aspectos. Primero, debe de inspirar
e incrementar la experiencia de las personas con relación al arte y diseño.
Segundo, debe educar a las personas acerca su relación con su herencia social
y cultural, teniendo en mente una audiencia amplia. Debe tratar de ilustrar
temas extensos (ej. Contextos contemporáneos, sociales, culturales, históricos
o políticos). Finalmente, los objetos deben de provenir de diferentes marcos
sociales y culturales.
Retomando el tema del público. El V&A organiza su objetivo en mercadeo
en tres diferentes categorías en base a compromiso. Es decir personas que se
sienten comprometidas con el museo, otros que muestra un poco de participación
y nalmente los que no tienen ninguna relación directa al museo. Es importante
hacer esta segmentación del mercado y analizar las demografías o perles
psicométricos del público que visita. El museo también es un negocio que debe
de llamar la atención de un público para conseguir seguidores. Por lo tanto se le
está dando mucho más atención y enfoque a los departamentos de comunicación
y mercadeo, para lograr elaborar estrategias que atraigan a ese público, que les
permitirá completar su misión social. (Art Council England, 2011)
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“La exposición en esta galería explora el arte y diseño de nales de la segunda guerra
mundial hasta el día de hoy. En los años justo al terminar la guerra, el diseño de
producto era visto como una herramienta para reconstrucción social y económica.
Especialmente en la sociedad occidental, el estilo personal, la moda y la cultura joven
eran el enfoque de la mayoría de innovación en el diseño. Aun así, el valor artesanal,
persistía y coexistía con expresiones de alto estilo.
Innovaciones tecnológicas – así como la miniaturización de electrónicos – permitieron
el desarrollo de nuevos objetos, por ejemplo los teléfonos, que de regreso inuenciaron
el comportamiento social. Al comenzar el siglo 21 preocupaciones acerca de la
sostenibilidad ambiental y el potencial de nuevas técnicas, como la asistencia de la
computadora en diseño y manufactura, son dos temas a los cuales se dirigieron los
diseñadores.
Hay cuatro tipos de zonas en esta galería, cada una reeja ampliamente un período y
tema en el diseño desde 1945. La cronología no es estricta y los períodos se sobreponen,
lo cual representa la complejidad del diseño y la sociedad en estos tiempos.”
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“El museo coleccionó los objetos en esta galería como reacción directa a momentos
importantes en la reciente historia de diseño y manufactura.
Muchos de los objetos han sido de interés periodístico, ya sea por que avanzan lo que
el diseño puede hacer, o por que revelan las verdades de cómo vivimos ahora y como
quizás estaremos viviendo mañana.
El diseño es un espejo de nuestra sociedad: lo que compramos, como las cosas están
hechas, como solucionamos problemas. Los objetos exhibidos en esta galería son
evidencia de cambios sociales, políticos, tecnológicos y económicos, y demuestran que
los objetos signican más que su modesto valor material en ciertas ocasiones.
Esta galería cambiara frecuentemente a medida nuevos objetos se coleccionan. Las
fechas expuestas en cada caso dicen exactamente cuando fueron adquiridas.”
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Objetos diseñados
Zapatos para niños 1940, Diseño desde 1945
¿Cómo puede ser posible que un par de zapatos para niños de cierta época tienen
el poder de activar memorias cargadas de emociones y sentimientos? Los objetos
están cargados de energía estética, especialmente los que eran necesarios durante
tiempos difíciles como la segunda guerra mundial. La tragedia y el trauma
que las personas experimentaron durante esa época, batallando y resistiendo,
dejaron sin duda una marca en la sociedad. Las personas se proyectan en los
objetos y los objetos reejan de regreso esa energía psíquica. La interacción es
diferente dependiendo del que lo percibe. Algunos van a revivir sus memorias,
pero otros pueden sentir que algo despertó una emoción o su consciencia, en
este caso es resultado por un entendimiento de las consecuencias de una guerra.
Es el análisis y observación de la materialidad del objeto que empieza una
reexión acerca de la historia. Esto puede hacer pensar que los niños no tienen
zapatos debido a la falta de material por el estricto manejo de raciones ya que
los países tenían políticas de austeridad y porque apoyaban al ejército. Por lo
tanto, no había dinero para invertir en cuero, canvas, materiales sintéticos y
solo había dinero para más armas y las necesidades requeridas por los soldados
en los frentes de guerra. Si no se tomaban esas medidas, no habría un país que
proteger. Estos zapatos tienen una gran carga emocional y cultural que comparte
toda la sociedad inglesa aunque no todos lo sepan, debido a su existencia en el
contexto histórico.
Al incluir estos objetos dentro de la colección se logra que dependiendo de la
audiencia, cada quien aprenda algo diferente. Por ejemplo, para los nacionales,
se están tratando temas de nacionalismo y herencia cultural. Por el otro lado,
la audiencia internacional pone en práctica la empatía y sensibilidad cultural.
La discusión incluso puede tomar la perspectiva ética en la cual se evalúa si
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compartir esta información vale la pena por el dolor que causa al público, ¿será
cierto que el n justica el medio?. Este efecto sentimental es imposible de
replicar de una manera más sencilla que la de exponer objetos.
Según Campbell, C. (1987) “el sentimentalismo es la indulgencia de emociones,
que se justica por un estimulo causado por la autocompasión y la ausencia de
un alto nivel de madurez en cuanto al control de las emociones.”
7
. Así fue como
lo explicó el autor en el articulo “Sentimentality in the Princeton Encyclopedia
of Poetry and Poetics”. Con esta denición se forma el argumento que, la
experiencia del museo no se basa únicamente en intelecto, o en la adquisición de
información. Si no que también en el desarrollo de una sensibilidad emocional y
sentimental que conduce a las personas a buscar más información y razones por
las cuales pasan las cosas. Y si estas razones son lo sucientemente fuertes, esto
causara un ímpetu para que las personas quieran hacer una diferencia.
Bloques 1946 - 1959, Diseño desde 1945
El siguiente objeto esta relacionado con los ‘zapatos para niños 1940’ en
términos de sentimentalismo. Esto se da principalmente debido a que el usuario
de ambos objetos son niños. La niñez siempre ha sido un tema muy delicado
en la vida del adulto. El hecho que un juguete cargue tanto signicado puede
ser sorprendente para algunas personas, ya que demuestra cuan fácil es exponer
a niños ante algunas de las realidades más dramáticas del mundo. Los niños
que juegan con los bloques pueden no saber por que o cuando se crearon, o
de que están hechos, ellos solo entienden su función principal la cual es su
entretenimiento mientras construyen estructuras.
Sin embargo, al presenciar estos juguetes dentro de la exhibición, la cedula
indica que el acto del juego simboliza la reconstrucción de las ciudades en
Inglaterra después de la gran destrucción por las bombas durante de la segunda
7 Campbell, C. The romantic ethic and the spirit of modern consumerism. Oxford, UK: B.
Blackwell. 1987.
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guerra mundial. Este tipo de conocimiento puede ser útil para los padres que
hacen la decisión de comprar un juguete como este, aunque no sean ellos los
que lo van a utilizar. En esta ocasión el acto del juego es bastante positivo
ya que involucra estimular diferentes niveles de actividad motriz y cognitiva
para crear algo nuevo utilizando unidades sencillas. Pero, ¿qué pasa cuando la
actividad no es positiva? Como padres de familia ellos deben de estar mejor
informados acerca de las cosas a las que exponen sus hijos, sin embargo, esta
no es la realidad actual. Esta falla puede ser debido a la falta de consciencia,
educación o familiaridad acerca de las áreas involucradas en el diseño de un
juguete. Esto es cuando los museos como el V&A se involucran para cumplir de
alguna manera su misión social, la cual es educar y comunicar estas lecciones a
la población; en otras palabras, ellos están explicando como el mundo en el que
vivimos funciona.
Algo muy importante de tener en consideración en esta reexión es el hecho
que la exhibición en si, hasta las cedulas con información deben de ser fácil
de comprender para cualquier tipo de audiencia, sin importar clase social,
económica o nivel intelectual. De tal manera que se le da la misma oportunidad
de aprender a todo tipo de audiencia.
Cortinas 1954 y 1957, Diseño desde 1945
Al ver este juego de cortinas en el V&A, uno puede pensar que están totalmente
fuera de lugar, ya que los visitantes pueden decir que ven este objeto en su
baño todos los días. Lo que no piensan es que, al estar detrás de esta vitrina,
las cortinas se vuelven una muestra física y visual del resultado obtenido de
serigrafía, producción industrial, evolución de telas, cambios en las necesidades
de las personas, y desarrollo en las áreas de arte, diseño, ingeniería y fabricación.
Este aprendizaje se comparte a través del los componentes de la exhibición
como las cedulas, que estan puestas para el que quiere leer más acerca de los
objetos. En este caso, algo muy importante que notar y hacer saber es que el
arte de Gianni Dova y Joan Miró impreso en las cortinas le dan valor agregado
en términos culturales a los objetos. Ya que estos artistas se vieron involucrados
en movimientos como el “Espacialismo” italiano, así como el diseño y estilo
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contemporáneo en el arte moderno español. Además enseñan el desarrollo de
materiales sintéticos. Una cortina de baño puede capturan todos estos aspectos de
una sociedad. La audiencia aprende como estas diferentes industrias colaboran
en la producción de objetos. Este es el propósito del trabajo de un curador, hacer
que las personas comprendan todo lo que involucra el arte y el diseño lo cual va
más allá de lo que el ojo puede ver.
Efectivamente, este tipo de productos que se encuentran dentro de las casas
de las personas puede decir mucho acerca del gusto de una sociedad. Estas
telas probablemente se estuvieron vendiendo en las tiendas de museos de
arte. Sin embargo, es fácil cuestionar si ¿será esta la manera más apropiada
para admirar el arte de Dova y Miró? Una ejemplo de trabajo intelectual
y creativo se convierte en un objeto con el propósito proveer privacidad
a una persona durante una actividad cotidiana, tal como la de ducharse.
Denitivamente este no era el n que el artista imaginaba cuando estaba
haciendo su trabajo. “El hombre contemporáneo tiene un hambre insaciable
por más y más bienes.” El departamento de mercadeo de los museos entiende
esto y lo aplican. No importa que el diseño del objeto en venta no tiene
el gusto de la propia pieza de arte que representa, es el hecho de que el
comprador, va a gastar por un objeto que proyecte su interés y demuestre su
gusto de arte, no de diseño de cortinas. Retomando el propósito de este objeto
en la exhibición, se puede decir que su rol es representar la relación entre la
venta. Toma lugar una simple transacción entre el público (el consumidor)
y el museo (el vendedor). Esta es una experiencia diferente a la que uno
experimenta en una tienda común y corriente. Además, el público puede o
puede que no sepa que el museo tiene ciertos motivos por la cual vende estos
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objetos. El museo genera ingresos a través de la venta de promocionales y el
público se lleva un objeto que reeja su experiencia cultural e intelectual en
el museo. Estos propósitos pueden alargar la experiencia de la exhibición,
introducir mas arte y diseño en el mercado y darle publicidad al trabajo
curatorial tanto como a los objetos ordinarios.
Bolso ‘Walker Crisps’ 2000, Diseño desde 1945
Esta bolsa puede que no sea la elección de accesorio de todos los días, pero la idea
de transformar una pieza de arte y manualidades a una pieza de venta en moda es
interesante. Realmente demuestra cómo la industria creativa y de negocio esta
conectada. Además no es solo el producto del bolso que este objeto representa,
si no que también esta representa a las papas fritas ‘Walker’. La popularidad de
una marca puede ser alarmante por las consecuencias que implica, por ejemplo
en este caso la comida chatarra no es recomendable en cuestiones de salud y
nutrición, pero aun así es reconocida y comprada mundialmente. Por lo tanto, la
discusión que inicia este objeto en la exposición no es solo acerca de la industria
creativa, si no que también tira una línea de diálogo con respecto a lo social
y cultura de nuestra sociedad en relación a la nutrición. El paquete en el que
viene las ‘Walker’ crisps es el que esta tratando de replicar la diseñadora, es un
objeto que fácilmente vemos en nuestro día a día. La intención de la diseñadora
Anya Hindmarch realmente cautiva por que fue su decisión utilizar el lenguaje
e identidad visual de una marca existente para decorar su bolso. Esto nos obliga
a hacer preguntas como; ¿se considera la presentación (paquete) de ‘Walker’
un ejemplar de buen diseño? ¿cómo funciona ese diseño al ser transferido de
presentación de un producto a motivo de decoración de un bolso? ¿será que el
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favoritismo de la marca de papa fritas se transere junto con su diseño? ¿Se hará
el bolso un producto popular en el mercado debido a esta conexión?.
La teoría explicada por Campbell, C. (1987) acerca de la ‘Ética Aristocrática’
es útil para entender este objeto aun mejor. El dice que “el planteamiento más
adoptado de este problema” (el consumismo) “ha sido sugerir que la imitación
del modo aristócrata, tiene ambas causas y consecuencias en la decadencia del
ascetismo, una ‘solución’ que suplica tantas preguntas como las que contesta.”
8
A través de esta declaración podemos ver el bolso de una manera distinta, por
ejemplo: el diseño y la inclusión de la presentación ‘Walkers’ en su diseño puede
tener el propósito de depreciar el valor estético de un bolso caro de marca ya
que el paquete de papas vale mucho menos que el bolso. Es la ironía inculcada
desde las etapas más tempranas de diseño y producción de un objeto aristócrata
lo que hace el mensaje de esta diseñadora tan poderosa, cuando compara el
consumismo de un bolso con el paquete de comida chatarra.
Peluche 2014, Coleccionando con Reacción Rápida
El siguiente ejemplo tiene mayor conexión con el contexto político. Un evento,
cambio completamente la percepción y connotación del signicado de este
peluche. La acción de una persona estimuló y activó a través de redes sociales a
miles de personas, cuando compartían y mandaban videos de cómo CY Leung se
convertía en una víctima del “ataque” de un peluche. La manera en la que disparó
el comunicado de esta noticia fue increíble, que fue resultado de la conectividad
global disponible ahora en día por el internet y su capacidad. Todas las personas
8 Ibid.
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están utilizando esto, todos los días. Hubiera sido básicamente imposible
detener la difusión de esta noticia luego de ser compartida en cualquiera de
las plataformas en línea. La historia incluso se volvió viral en Facebook, una
de las redes sociales mas importantes en plataformas web y móviles, con
participaciones de páginas y guras publicas internacionales reconocidas. El
resultado de esta noticia fue la gran demanda que hubo de este peluche después
en las ventas. Como dice la cedula, “se vendieron completamente todas las
unidades en tres de las tiendas IKEA de Hong Kong, y quedaron escazos en
Taiwán y la China continental. IKEA realmente no previo el éxito de venta de
este producto. Todo mundo quería uno de esos peluches que insultó una gura
política. El lenguaje es otro factor que afecta el signicado de los objetos, el
nombre del peluche tiene la misma pronunciación que uno de los términos para
el aparato genital femenino. Cualquier cosa que le pueda añadir a la ofensa
contra la gura política fue sugerida y compartida. Toda esta actividad causó
una catástrofe de relaciones publicas que será recordada como parte de la
historia al ver el peluche.
Sombrilla 2014, Coleccionando con Reacción Rápida
La segunda función de esta sombrilla esta relacionada directamente con su
función básica. Las sombrillas están diseñadas para proteger a las personas de
la lluvia, cubrirlas del mal clima. Después de que el objeto fue alterado por
miembros del grupo pro democrático, era notable que ellos habían retomando
esa básica función, y la aplicaron para darle un nuevo sentido ante la sociedad. La
sombrilla era un símbolo de “apoyo” y “resistencia”. Un símbolo de esperanza
para ‘ personas que estaban lidiando con algo mucho peor que solo mal clima.
Pues estaban lidiando con una tempestad política que fue resultado de diferentes
tipos de destrucción cultural y social. China está afrontando un periodo político
bastante inestable, las personas no pueden expresar su opinión libremente ya
que toda oposición al gobierno se ha proclamado ilegal con el propósito de
mantener la ley y el orden. Sin embargo, esta situación es bastante irónica ya
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que para detener a los protestantes las autoridades atacaron a los individuos
con granadas lacrimógenas en Hong Kong el día 28 de Septiembre del 2014.
Al verse en esta situación, los protestantes se protegían con sombrillas. Desde
ese día, los ciudadanos de China pararon de ver las sombrillas como cualquier
objeto ordinario, y las asociaban con la libertad de expresión y necesarias para
luchar por justicia, como parte de la “revolución de sombrillas”. La cedula para
el objeto incluye la siguiente cita; “lleve un sombrilla para apoyar a Hong Kong,
apoye la democracia, apoye la libertad, apoyémonos nosotros mismos”. El
hecho que el museo decida incluir este tipo de palabras emocionales demuestra
que están tratando de comunicar la verdad y concientizar a las personas acerca
de la situación política y social en otros países. Además el hecho que quieran
incluir un objeto importante para otra cultura demuestra sus esfuerzos por
captar una audiencia más amplia, con diversidad. No es solamente para que las
personas nacionales de Inglaterra aprendan acerca de asuntos internacionales,
si no que también atraer a estas audiencias internacionales para que visiten el
museo. De esta manera no solo van a aprender lo que dicen de sus culturas si no
que también el contexto que están siendo reconocidos por otras personas.
Conclusión
Para sintetizar, en este artículo se puede enfocar la relación existente entre
contexto, sociedad y los objetos diseñados para apreciar cómo el museo
contemporáneo valora cada uno de estos aspectos en sus colecciones. Su objetivo
es hacer las experiencias de las personas más humanas y comprensibles a todo
tipo de público, pero también críticas. Por lo tanto al enfocarse especícamente
en el público, se logra enfatizar y aprender a través de los métodos de observación
e interpretación. Estos métodos de educación y aprendizaje, así como sus
herramientas se desenvuelven con gran cuidado para que sea posible que todos
comprendan, sin importar sus incapacidades; falta de formación académica o
bases socioculturales.
Además queda claro la importancia de analizar la utilidad de los objetos
ordinarios como los que se han presentado en este artículo, especialmente en
términos de contextos culturales, económicos, históricos políticos y sociales. Es
crucial para la industria creativa estar consciente del mundo y el ambiente en el
que vivimos. Si no se tiene un claro conocimiento del presente, cualquier diseño
que se fabrique se pone a prueba y puede resultar inservible o simplemente no
adecuado para la realidad. Por lo tanto es importante estudiar las cosas de las
que nos rodeamos constantemente. Es importante no solo para diseñadores pero
también para personas que viven siguiendo reglas y un sistema. Esta práctica
de cuestionar, así como el conocimiento que conlleva resalta las experiencias
del diario vivir.
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REVISTA DE MUSEOLOGÍA KÓOT, 2018 AÑO 8, n.º 9, ISSN 2078-0664, ISSNE 2378-0664
Castaneda López, Camila María. Objetos Ordinarios. Su estado actual en museos de arte.
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